カトリーヌの「朝1日1映画」

朝の時間を有意義に♪

『宵待草』(1974年 日本)

「映画なんてものはね、所詮遊びさ。悪い夢かもしれないが、だから面白いんだな。ハハハ」(映画より)
神代辰巳×長谷川和彦×細野晴臣の才能が結集

今朝の1日1映画は『宵待草』(1974年 日本)を鑑賞。

時は大正時代。

アナーキストの集団「ダムダム団」に所属する活動弁士の平田玄二(夏八木勲)と大学生の国彦(高岡健二)。

交番襲撃に失敗したダムダム団は、今度は政界の黒幕北条寺の孫娘(高橋洋子)を誘拐したが…。

アナーキストが暗躍した大正時代を舞台に繰り広げる、若者と政治家令嬢の逃避行。

長谷川和彦の脚本で、神代辰巳が監督。

音楽監督細野晴臣芥川賞候補作家であり女優の高橋洋子が主演した異色のニューシネマです。

先日見た神代作品『恋人たちは濡れた』の他にも神代作品を少し見てみようと思い鑑賞。

こちらの作品も独特の空気感がありますね。

時代設定は大正時代なんですが、この映画に漂う雰囲気はもろに70年代で、大正時代であることを忘れてしまうかのような感じさえあります。

やはりこの作品の特徴は登場人物が随所で歌う「枯れすすき」などの大正時代の流行歌の数々。

瞬間瞬間を生きているエネルギーあふれる若者の姿がある反面、未来を予測できない閉そく感の中で右往左往する姿と表裏一体となっていて、歌が癒しの役割となっている。

流行歌って、いつの時代も人の心を癒すものとして存在していたのかななんて思います。

カラオケもストレス発散になりますもんね。

映画のモデルはきっとアメリカの『俺たちに明日はない』(1968)のボニー&クライドや『明日に向って撃て!』(1969)で、設定を男2人+女1人の3人にして展開している感じ。

恋人たちは濡れた』と同じく3人の動きが面白くって、その動きが何とも言えない感情を呼び起こすんですよね。

国彦が女の子を抱こうとするといつも激しい頭痛に襲われるという設定や、馬や自転車を性のメタファー(隠喩)として描いているのも面白い。

大胆な演技を披露している高橋洋子さんはほんとかわいいです。

カメラは手持ちがほとんどで、ロングからの望遠ズームアップやズームアウトを多用し、セリフと口の動きは違う場面も多い。

そういうある意味荒っぽくフラフラした映像が、若者たちを象徴しているかのようです。

細野さんの音楽は好きなんですが、ティン・パン・アレー時代にこういう映画音楽を手掛けていたんですね。

ピアノが多めで、歌以外の部分で映画のムードをポップな感じに持ち上げてる気がします。

当時の才能あふれるアーティストが集まった、夢のような雰囲気の中、撮影された時代を堪能できる作品です。

↓強盗シーン

 
 

神代辰巳監督作品はこちらも見ました↓

katori-nu100.hatenablog.com

 

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『蜘蛛巣城』(1958年 日本)

Toho Company Ltd. (東宝株式会社) - movie poster made by Toho Company Ltd. (東宝株式会社, Tōhō Kabushiki-kaisha), パブリック・ドメイン, リンクによる

危険極まりない撮影に驚愕!
夢幻能の様式美を取り入れた幻想的な“右脳系”黒澤作品

今朝の1日1映画は『蜘蛛巣城』(1958年 日本)を鑑賞。

 時は戦国時代、武将・鷲津武時(三船敏郎)は、妻・浅茅(山田五十鈴)にそそのかされて主君を殺害し、その城主となるが、朝茅は次は親友の三木義明(千秋実)を殺害するよう強要する…。

黒澤明監督が敬愛するシェークスピアの『マクベス』を戦国時代に翻案して描いた、幻想と恐怖に彩られた人間の業を露にする戦国絵巻です。

いやー、重厚感ありますね。

難し目の言葉だし、セリフが聞き取りにくいので、話の展開の詳細はぼんやりなんですが、その分見た目がバッキバキで、白と黒のコントラストが強く、見終わった今でも脳内にシーンの数々がよみがえる。

黒澤映画って、左脳でストーリー展開を追うのではなく右脳で全体像を感じ取る雰囲気がありますね。

言葉ではなく、映っているものからその要素を紡ぎ取っていく感じ。

前半で、森の中で霊のようなおばあさんが糸を紡いていて、あれは蜘蛛の巣の糸を紡いでいるようでもあるんですが、見ている我々に映画のカットカットを紡いで全体像を捉えなさいっていうことでもあるのかな、なんて勝手に想像しています。

映画ざっくりとした教訓としては、

人間は他人の言動に影響を受けやすく、権力を手に入れると守りに入り、その座を脅かす人に対し疑心暗鬼になりメンタルやられる。

みたいな感じでしょうか。

いつの世もそうで、16世紀に生きたシェイクスピアの物語の構成が、現代の『スターウォーズ』などのハリウッド映画の基本としていまだに受け継がれているのは、人間の根源的・本能的な部分を描いていて、それらは普遍的だからだということを思い知らされます。

それは日本の8世紀から続く能についても同じですよね。

西洋を東洋に置き換えてもその根源的・本能的部分はそんなに変わらないという。

映画の技法としてはシンメトリーな構図、雨や霧、砂埃などを使ったファンタジーな雰囲気の演出、画角が狭く紙芝居のように切り替わるスライド・トランジション(カットつなぎ)によってリズムと客観性を持たせる、場面の響きを取り入れた臨場感のある声、動物を恐怖の存在として入れ込む、主人公の威厳を見せつける圧倒的なエキストラ数などなどいろいろあるんですが、一番驚いたのは矢のシーン。

マジで狙って撃ってますよね?

ウィリアム・テルの、頭の上のリンゴを打ち抜くっていう図がありますが、あの数十倍の矢が自分に飛んでくるって想像できます?

今時だったらCGとか使えますけど、当時は命がけので撮影ですわ。

仕掛けはあるっぽいんですが、完ぺきには安全は確保されていなかったようで、三船敏郎さんは後日酔った勢いで散弾銃を持って黒澤監督の自宅前まで押しかけたというエピソードも。

ほんと、映画俳優って大変なお仕事ですね。

右脳をフル回転させられるのを楽しむ黒澤映画を今後もいろいろ見ていきたいと思います。

↓予告編

 
 

黒澤映画、以下も見ました↓

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『無法松の一生』(1958年 日本)

ヴェネツィア国際映画祭グランプリ作品
主人公から「利他の心」を学ぶ

今朝の1日1映画は『無法松の一生』(1958年 日本)を鑑賞。

小倉の人力車夫・松五郎(三船敏郎)は喧嘩っぱやいが人情に厚い名物男。

そんな彼が陸軍大尉の家族と知り合いになり、大尉の戦死後、未亡人よし子(高峰秀子)とその子どもに愛情を持って奉仕し続けていくが…。

名匠・稲垣浩監督が戦時中の1943年に監督した名作を、同じ脚本(伊丹万作)でカラー・リメイクした人間ドラマで、ヴェネツィア国際映画祭ではグランプリを受賞しています。

タイトルはよく聞いてましたが、初鑑賞です。

なるほどー、松五郎みたいな人、知人にいるわーと、想像しながら見てしまいました。

それくらい主人公や、主人公が慕う家族に共感しながら見てしまう、いい作品ですね。

話の設定や展開としては成瀬巳喜男監督の『乱れる』や『乱れ雲』などのような未亡人と男性の話で、主人公を男性に設定して男性側の視点を軸に描いた作品。

だけど、それらの作品と決定的に違うのは、主人公の男性のキャラクターが不器用で義理硬く、一見荒くれ者だけど心はピュアピュアというめちゃくちゃいい人なんです。

人間の強烈な魅力の1つに“ギャップ”があるというのを何度も書いてるんですが(笑)、この松五郎というキャラクターはそのギャップが最大値に設定されている。

そこがこの映画の最大の見せどころなんだと思います。

奥手な理由や、なぜ人力車夫をやっているのかなど、酒を飲みながら心のうちを語る場面があり、人生の背景も知ることができ分かりやすい。

「置かれた場所で咲きなさい」という渡辺和子さんの言葉がありますが、まさに置かれた場所で一生懸命生きている松五郎の姿に人生の教訓を教えられるような感動を覚えます。

映画の技法としては、人力車の車輪、花火、天候などを登場人物の心模様であるメタファー(隠喩)として入れ込んである。

車輪などはトランジション(カットつなぎ)にも利用して話を進める役割を持たせてあり、アーティステックです。

フィルターも多用されていて、回想シーンへのつなぎではホワホワしたすりガラスみたいなのをかませてあったり、雨が降っているようなフィルターもあったり。

ネガポジフィルターみたいなのも、主人公の状態を表すように効果的な使い方で魅せてくれます。

カメラはアップショットは少なく、ミドルからバストぐらいで、割と全景を見せる感じ。

松五郎の芝居は目線の動きを捉える繊細なものというよりは、表情や動きが激しめなので、引いた画面でちょうどよく、その方がキャラクターを生かすからなんでしょうね。

そういう意味でも三船敏郎さん(当時38歳)ってこういった豪快な役がピッタリ。

また歌や小倉地方の訛りも楽しく、祭りや喧嘩などセットを完全に再現した群衆のシーンも見ごたえがあり(当時の仮装行列も面白い)、流れにも緩急が付いてワクワクします。

松五郎という人物を他己紹介のように浮き上がらせる部分は、松五郎が周囲の人に自己をささげてきた「利他の精神」を知ることができグッときますね。

欲を満たす生き方と、思いやりに満ちた生き方。

映画としても十分楽しめる作品でありながら、人としての生き方を考えさせられる深い作品です。

↓予告編

 
 

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『宮本武蔵』(1961年 日本)

ゴジラ』の曲?
内田吐夢監督×中村錦之助主演シリーズ第1作目

今朝の1日1映画は『宮本武蔵』(1961年 日本)を鑑賞。

吉川英治の同名長編小説を、成沢昌茂と鈴木尚也が脚色し、内田吐夢が監督した大型時代劇。

関ヶ原合戦の敗走から白鷺城天守閣幽閉までの暴れん坊時代の武蔵を描く。

巨匠・内田吐夢監督と中村錦之助主演による5作品シリーズの第1作目です。

宮本武蔵を題材にした映画は山のようにあるんですが、この中村錦之助(当時29歳)が演じる宮本武蔵は力が強く生命力にあふれて声も大きく熱い男。

元来風呂嫌いの武蔵ではありますが、逃げ回る中でさらに汚れて汗などでテカテカと黒光りしていて、暗闇ではむしろを巻いて身を隠しているんですが、隠れても隠れきれない佇まいがあって、ヌッと現れるだけで月明りに照らされ白目や肌がキラリと光り、不気味さと強さを併せ持ったものすごい存在感があります。

でも中村錦之助さんってキュートさもあって、若者の真っすぐな純粋さもにじみ出て、よきバランス。

僧侶・沢庵役の三國連太郎もかっこいい。

若造武蔵に対しての人生を説くのですが、その諭し方が腹を割ってしゃべり皮肉が効いててクールなんです。

ああいう僧侶がいたら、現代でもお寺の人気者になれそう。

お話の基本は「生きのびるために追手から逃げろ!」なんですが、そこに女性や僧侶が武蔵を助けたり、行く手を阻む形で絡んできます。

5作品シリーズなので、ラスト3分の2ぐらいで期待を持たせて途中で終わってる感じはあるんですが、展開として古典的なハリウッド映画の基本構造と似ていて、原作は未読なんですが、状況をセリフや行動で説明してくれているのもあって非常に分かりやすくて面白いですね。

最後の方はファンタジーっぽい雰囲気もあって。

他の気づきとしては、まず音楽。

派手なアクションシーンで迫力ある音楽が流れるんですが、『ゴジラ』(1954年)の曲によく似たフレーズが出てくるんです。

誰が音楽を手掛けたのかを調べてみたら、まさに『ゴジラ』の音楽を作曲した伊福部昭が担当している!

どおりで。

また音声ですが、撮影はスタジオセットがほとんどで、スタジオ撮影部分は同録されている感じなんですが、やはり大きな声を出すと、跳ね返りというか、スタジオでの響きになっていてちょっと違和感が。

小道具も、大きな石を投げるシーンがあるんですが、投げて着地するとポンポンと弾む…。

この時代、テレビが台頭していきていて、映画を低予算でいい作品をと頑張っていた頃なので、しょうがない部分はありますが、そういう部分も含めて時代を感るし、演技でカバーされているのでOKなんですけどね。

ぜひシリーズの続きも見てみたいです。

PS:大きな千年杉が出てくるんですが、ロケ地がどこか気になります…行ってみたいなぁ。

↓予告編(全5部)

 
 

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『80日間世界一周』(1956年 アメリカ)

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3時間で世界旅行に行った気分に!
ソール・バスのアニメーションにも魅了。

今朝の1日1映画は『八十日間世界一周』(1956年 アメリカ)を鑑賞。

ビクトリア王朝時代のイギリス。

80日で世界一周できるかどうか賭けをした紳士、フォッグ(デビッド・ニーブン)が召使パスパトゥ(カンティンフラス)を連れて旅に出た。

花の都パリでは気球を買って飛び立ち、スペインでは闘牛士となり、カルカッタでは姫を助け、横浜・サンフランシスコ・ニューヨークへと旅は続く。

果たしてフォッグは時間までにイギリスへ帰ることができるのか?!

フランク・シナトラマレーネ・ディートリッヒバスター・キートンなどがカメオ出演している、アカデミー賞5部門に輝く、映画史上に残る若手監督マイケル・アンダーソンによるエンターテインメント作品です。

いやー、ほーんと華やかな映画。

世界の国々の華やかなダンスや衣装に酔いしれつつ、西部劇のようなアクションからクスっと笑えるコメディーまでお話としても魅せる内容で。

主人公に共感して、どうなるんだろ?? とハラハラしながら見る映画ではなくて、まさに世界旅行をしているかのようなゆったりした気持ちで見ることができます。

それにしてもすごい数の出演者なんですよ。

ハリウッドでこれまでに行われた単一の映画としては最大のプロジェクトと言われているこの作品。

撮影は75日。

キャストとクルーは400万マイル以上飛行し、キャストには13か国で68,894のエキストラが含まれ、74,685の衣装が映画のためにデザイン、製作、またはレンタルされたそう。

動物だけでも8,552頭の動物が出演(3,800頭の羊、2,448頭の水牛、950頭のロバ、800頭の馬、512頭の猿、17頭の雄牛、15頭の象、6頭のスカンク、4頭のダチョウ)。

また多くのスターがちょっとした役で特別出演していることでも知られ、この映画から「カメオ出演」という言葉が生まれました。

音楽も旅行系バラエティー番組のBGMで流れている一度は聞いたことのある名曲がこの映画の曲だったんだとびっくり。

気づきとしては、セットの部屋の角度が舞台みたいに配置してあります。

部屋の隅の角度が90度じゃなくて、135度くらい広げてある。

それによって不思議な空間が出来上がっていて、「強制遠近法」のようなだまし絵みたいな錯覚を起こすんです。

衣装やセットの配色もバランスが良くておしゃれ。

ゴールデンアワー」と呼ばれる夕日のシーンが海、山、荒野など何度も登場し、自然の美しさも満喫できる。

旅行系映画ですが、気球やちょっと現実離れした異空間のようなセットによって、本当に旅をして帰ってきた感じとはまた違った、ふわっとした心地がしています。

特筆すべきは、エンド・クレジット。

それまで映画は、オープニングにクレジットが入り、誰が出演しているかというのが分かるようになっていたのですが、この映画ではオープニング・クレジットはなく、映画の最後にエンド・クレジットで誰が出ているのか分かるようにしたという、当時としては画期的なことをやっているんですよね。

カメオ出演のネタバレ禁止っていうことで。

それとエンド・クレジットは、グラフィック・デザイナーのソール・バスが手掛けていて、6分のアニメーションになっています。

豪華絢爛な映画ではありますが、非常に軽やかな印象を受けるのは、ソール・バスのデザインの影響も大きい気が。

原色を用いた直観的な色使いで象徴的にデザインされていて、目に入った途端、絵本を見ているような分かりやすさがあるんです。

エンドロールにそういったアニメーションを用いることによって、映画全体がさらにポップな印象を受ける。

映画を見終わったあとに、楽しい気分で映画館を出ることができるような心理的な仕掛けとなっていて、ある意味トータルでデザインされていて斬新だなと思いました。

あー、海外旅行行きたい。

でもまだ飛行機が…ビザが…という今見ると、いい気分になれる映画ですね!

↓予告編

 
 

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『生きる』(1952年 日本)

Courtesy of Toho (c) 1952. - リンクによる

本作をリメイクしたイギリス映画が今秋公開予定。
人生のあり方を教えてくれる名作に見る3つの要素。

今朝の1日1映画は『生きる』(1952年 日本)を鑑賞。

三十年間無欠勤の市役所の市民課長・渡辺勘治(志村喬)は、今の日々の仕事にやりがいを持てずただ時間を過ごす日々。

ある時、自分が癌に冒されている事を知る。

暗い気分の勘治に、息子夫婦は冷たい。

街に出て羽目をはずすが、気は晴れない。

そこで事務員の小田切とよ(小田切みき)と出会い、今までの自分の仕事ぶりを反省する。

勘治は心機一転、仕事に取り組むが…。

死に直面した公務員の生き方を通して、人間の真の生き甲斐を問いかける黒澤明監督による人間ドラマです。

以前映像文化ライブラリーで見たことがあると思うんですが、ほぼ忘れているので再鑑賞。

年月が経って改めて見ると、主人公の人生が我が事のように響きます。

残りわずかの人生をどうしたらいいのか。

他人にすがっても答えは見つからず、人との交流の中で自分で答えを見つけ、自らの力で行動してこそ充実した人生があるのだということを、この映画は教えてくれます。

映画の作りとしてみると、これがやはり素晴らしい。

テーマが1つではなく、3つは入れ込んであるんですよね。

1つ目は先ほどの「人生の節目」。

主人公に降りかかった難題を、本人がどう受け止め、どう行動するのかという部分。

2つ目は「官僚組織の中で」。

市民のための市役所ですが、その中にも権力構造があり、いったん権力の座につくとその座を死守するために市民の要望をたらい回しにする。

音楽も不協和音が流れ、皮肉を盛り込んだ編集となっています。

3つ目は「死の真相」。

主人公の死後に周囲の人間が彼の言動や行動を推測し、死の真相を探っていくという劇中ミステリーの要素。

観客には冒頭のナレーションによって、主人公が余命わずかと言うことが知らされているので、その「じらし」によって、主人公の死がいつ訪れるのかをドキドキしながら見進めてしまうのですが、それプラス、主人公の死後、死の真相を主人公の周りの人間がどうやって知っていくのかという部分までを、観客に対する「第二のじらし」として入れ込んで描いている。

主人公が自身について考える「主観」、周りの人間から主人公を見る「客観」によって、私たちがどの立場になったとしても共感できるように設計してあり、さらに1人の人間が社会に存在することの意味という部分まで掘り下げてあるんですよね。

1つの要素でも重厚なドラマとなりえるところを、3つの要素を、しかも人生哲学的な側面を入れ込んでいるところが普遍的で、名作といわれる所以だと思い知らされます。

黒澤監督の画作りは絵画のような美的要素があって、それだけで魅せるんですが、主人公の孤独を「群衆⇔独り」、「表情は涙⇔音楽は歓喜」というふうに対比的に描いてあり、そのことによってぐっと主人公の寂しさ、切なさが100倍になる。

主人公は弱っていて声に力がなく、かすれて何を言っているのか聞き取れない箇所もあるんですが(フィルムの劣化もありますが)、それでも十分主人公の気持ちが伝わるのは、セリフの内容を補う演出によるものだと感じます。

それ以上に圧倒的なのは主人公渡辺を演じる志村喬の目力(めぢから)。

目を見開き、瞳をウルウルさせながら1点を見つめる思い込みの表情で(『ゴジラ』での志村喬の演技もそうでしたが)、もうあの目で見られたらロックオンですよ。

終始そういう表情なので、若い事務員の女性とのやり取りで一瞬魅せる笑顔の時は数百倍のキラキラした笑顔になる。

これも対比による効果だなと思いました。

また志村喬さんって目力もありますが、唇も厚いですよね。

人相学的に唇が厚い人は、優しく思いやりがあり、情に厚いタイプ。

市民のために立ち上がる情に厚い市民課長という役どころが、人相学的にもぴったりっていうのがキャスティングとしても秀逸で。

昭和20年代のパチンコ、ジャズバー、ストリップなどの華やかな歓楽街の様子を知ることができるのもいいですね。

帽子、ウサギのおもちゃ、時計、表彰状などの小道具の使い方も心をじんわりさせられます。

主人公にとっての本当の理解者は誰なのかを考えながら、じゃあ、自分にはそういう人がいるのか? などを考えざるをえない、わが身に置き換えて振り返ることができる作品。

人生の節目に見るとヒントになりそうです。

この映画を原作とし、カズオ・イシグロの脚本でオリバー・ハーマヌス監督がリメイクした映画「Living」(原題)が2022年秋に公開予定。

舞台を1952年のロンドンに変えるとどう映るのか、楽しみです。

↓予告編

 
 

黒澤明監督作品はこれらも見ました↓katori-nu100.hatenablog.com 

katori-nu100.hatenablog.com

 

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『オーケストラの少女』(1937年 アメリカ)

By www.movieposterdb.com, Fair use, Link

音楽は人の心を動かす。
音の魔術師ストコフスキー指揮&少女の演技に涙。

今朝の1日1映画は『オーケストラの少女』(1937年 アメリカ)を鑑賞。

トロンボーン奏者ジョンは、才能があるのに失業中。

そんな父を心配したパトリシア(デイアナ・ダービン)は失業者によるオーケストラを結成。

当代最高の指揮者ストコフスキー(レオポルド・ストコフスキー:本人役)にタクトを振るってもらおうと思いつくが、彼は気難しいことで有名な男。

それでもパトリシアは楽団のために、直談判に挑む...。

当時人気絶頂だった少女スター、ディアナ・ダービンとクラシック世界の大物指揮者ストコフスキーフィラデルフィア交響楽団を共演させて空前の大ヒットを記録したヘンリー・コスター監督による名作です。

参考にしている本4冊目がほぼ終わり、最近日本映画を見ていくうち、日本映画史に興味がわき、当時の日本映画のスタッフなどが影響を受けた映画を見ていこうと思います。

いやー、面白いですねー。

フィナーレでは面白さと感動が入り混じって泣いてしまいました。

まず少女パッツィー役の当時16歳のディアナ・ダービンの演技と歌声。

失業したお父さんを何とかしたいという純粋な気持ちを全身で表現していて、そこに澄んだな歌声が加わると、もう無条件で彼女を応援したくなる。

またシナリオがありきたりでない所も良くって。

バッグを拾うとか、電話を取るとかの偶然の出来事が次第に大きくなっていくんですが、未来の予測を「じらし」として入れ込んであり、そのことによって観客は結果を早く見たいという気持ちが生まれ、今か今かと見進めてしまうという。

アッと言う子供だましみたいな仕掛けもあって、考えなくても面白い。

結構ドタバタのコメディーで、ラストに向かって登場人物たちの各エピソードが緊張を持って回転していき、フィナーレでそれらの緊張の糸が解け、音楽とともにカタルシスとなる。

もうこれ以上の最高のジェットコースターはないですよねぇ。

作曲家の芥川也寸志、指揮者岩城宏之、音楽評論家の志鳥栄八郎、俳優の大滝秀治、女優・司会者・作家の黒柳徹子、映画監督の山田洋次、などなど、日本の音楽界や映画界などをけん引する人々にこの映画の影響を受けた人が多く、人生を変えてしまうほど当時の日本でもこの映画が大ブームだったんだろうと推測します。

1930年代はまさにハリウッド映画の黄金期。

量産される数々の映画の中で本作が大ヒットし、時を超えても人々の心を打つのは、テーマが普遍的であるのと同時に、音楽自体が普遍的な力を持っているということで、それらを再認識させられます。

本当に素敵な作品ですね。

↓予告編

 
 

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